2020.11.29 アズール弦楽合奏団 第11回定期演奏会

豊洲シビックセンター ホール

●　豊洲シビックセンターの５階ホール。ツリーが飾ってありんした。臨海エリア然とした眺望も楽しめる。

　このホールには最近しばしば来ている。室内楽的なものはここに聴きに来ることが多いような。
　ホールにしか用がないので，他の階には行ったことがない。９階と10階が図書館になっている。ちょっと覗いてみたが，図書館は図書館であって，別に変わった光景があるわけではない。
　郊外ではなく，駅の間近のビルにこういう公共施設があるのも都会ならでは。利用しやすいだろうなと思った。が，田舎人としてみると，エレベーターで上下に動くことに，けっこうな億劫感を覚えてしまうということはある。

●　アズール弦楽合奏団の定演。2017年９月の第８回，今年１月の第10回に続いて，３回めの拝聴。開演は午後２時。入場無料。曲目は次のとおり。
　ヘンデル　合奏協奏曲 イ長調
　J.C.バッハ　Sonata for Flute/Violin and Keyboard より Sonata no5 with violin accompaniment
　モーツァルト　ヴァイオリン協奏曲第５番 イ長調
　モーツァルト　交響曲第29番 イ長調

●　というわけで，今回はモーツァルト。J.C.バッハのときに，この団の音楽監督を務めている柏木真樹さんのトークというのかレクチャーがあった。
　バロックからモーツァルトにどうつながるのかという話。モーツァルトは，突然変異のようにポコッと現れたわけではなく，モーツァルトの前にモーツァルト的な音楽がすでに存在していたという話ね。これが面白かった。腑に落ちた。
　J.C.バッハは幼少期のモーツァルトのお師匠さんでもあったらしいので，具体的なつなぎ役の代表者なのだろうけれども，そうした具体的な人間関係にとどまらず，時代が作る流れのようなものがあった。

●　受付で配れれるプログラム冊子がそっくり柏木さんの論集（？）のようなものでもあって，アカデミック過ぎてなかなかついていくのが難しくもある。いくつか転載しておく。

　文化が伝播する時には，そのままの状態で新しい土地に定着することは滅多にありません。フランスにいけばフランスとの融合が起こるし，（中略）フランス風のロココとイタリアバロックの融合が，モーツァルトを代表とする古典派の軽快で優美な音楽へと繋がったのです。（p9）

　古典派の音楽は情緒ではなく理性を重視する思想の影響で，楽曲を構造的に捉え合理性をもった展開を好むようになりました。音楽の特徴を理解するためには，このような哲学的な視点がどうしても欠かせない（p10）

　モーツァルトの時代は例外的なものを除いて作曲者の死後も演奏され続ける曲は珍しく，この協奏曲群も「お蔵入り」していました。（中略）19世紀後半にはバロックや古典派の楽曲の多くが再び日の目を見ましたが，当時の演奏習慣に従って演奏されたり楽譜が出版されたりしたので，「ロマン派風」の演奏が一般的になりました。こうした演奏は1960年代まで主流となり，言い方は悪いのですがバロックも古典派もロマン派も同じように演奏する演奏家がとても多かったのです。いずれもたっぷりとヴィブラートをかけて歌い上げたりデタシェなどの近代的な奏法を用いていて，モーツァルトが生きた時代の演奏とはかなり異質のものです。（p19）

　もともと貴族を喜ばせるために音楽が書かれていたのですから，派手な方が効果的で，いわゆる緩徐楽章は短いことが多かった（中略）。モーツァルトの曲には長い緩徐楽章がとても多く，その傾向は長じるに従って強くなります。（p22）

　イスラム圏であるトルコとキリスト圏である欧州との橋渡しに大きな役割を果たしたのは，東欧のジプシー音楽であろうと考えられています。（p22）

　モーツァルトの頃の演奏とはかなり異質ということまでわかるわけですねぇ。録音もないのにどうしてそういうことまでわかるのかと思うんだけども，人間の探究心というのは大したものだな。

●　演奏するのは大人になってから楽器を始めた人たち。プロを目指すのであれば，プロの何たるかを知らない幼い時期に始めていなければならないのだろうが，プロになるというそれだけに照準を合わせると自分の人生が痩せてしまうかもしれない。
　それは，高校生が受験に照準を合わせて，受験とは無関係のことに眼を向けないでいると，高校の３年間が痩せてしまうのと同じ。目標を決めて，それにピタッと照準を合わせて，脇目もふらずにそこに向けて邁進する，というやり方が果たして善なのかというと，やや疑問が残る。それが悪いかと言われれば，じつのところ，何とも言えないのだが。
　当然，そうではない行き方もある。そうではない行き方のそうではない良さというのもある。そういうことをこの演奏を聴きながら思ってみる。

●　柏木さんの指導によって，ロマン派的ではない奏法でモーツァルトを演奏したのだろう。ぼくの耳で，そのあたりがどこまで聴き分けられたかというと，われながら心もとない。
　しかし，いい演奏だと思った。上から眼線的な言い方になってしまって申しわけないけれども，明らかに鑑賞に耐える演奏になっている。

2020.01.13 アズール弦楽合奏団 第10回定期演奏会

すみだトリフォニーホール 小ホール

●　アズール弦楽合奏団の定演。2017年９月の第８回につづいて，２回めの拝聴。今回はイタリア･バロック。
　大人になってから楽器を始めた人たちの集団。それでもここまで来れるというのもさることながら，歳を重ねても青春するってこういうことかなぁと思ってね。何だかカッコいいんだよね。

●　開演は午後２時。入場無料。曲目は次のとおり。
　コレッリ　「パストラール」 合奏協奏曲集「クリスマス協奏曲」より
　コレッリ　ヴァイオリンと通奏低音のためのソナタ より第１楽章
　マルチェロ　オーボエ協奏曲 ニ短調
　ヴィヴァルディ　ヴァイオリン協奏曲 イ短調
　ヴィヴァルディ　Concert ト短調

　アルビノーニ　弦楽のためのソナタ
　ヴィヴァルディ　オーボエとヴァイオリンのための協奏曲 変ロ長調
　タルティーニ　ヴァイオリンソナタ「悪魔のトリル」より第１楽章
　ジェミニアーニ　合奏協奏曲 ニ短調 コレッリの「フォリア」より

●　合間に柏木真樹さんのトークというかレクチャーが入るのも前回と同じ。その中身はプログラム冊子に掲載されている。いくつか転載しておく。

　ドイツの文化はある部分では圧倒的なのですが，どちらかというと「創造」よりも「洗練」にその本質があるのではないかと思います。（中略）これに対して，イタリアの文化はまさに「創造」そのものです。一方で，イタリア人，特にトスカーナ以南の人々はある意味で「怠惰」で，作り上げたもので満足してそれをさらに進歩させるのはあまり得意ではありません。（p10）

　イタリアは徹底的な地産地消の国です（p11）

　音楽様式としてのバロック音楽はイタリア独特のものであるとする考え方もあります。（中略）バロック文化自体がカトリック教会の庇護のもとに発展したのですから，プロテスタントが広がったドイツでバロック文化の捉え方がイタリアと違うのはある意味で当然です。（p14）

　しかしながらバロック音楽の発達は音楽が教会から自由になる端緒でもあったのです。（p18）

　ハイドンは「弦楽四重奏の父」「交響曲の父」と呼ばれていることはご存じかもしれませんが，弦楽四重奏はあらゆるアンサンブルの中でも飛び抜けて完成度が高い形式だと思います。（中略）すでにバロック時代からヴァイオリン:ヴィオラ:低音＝２:１:１という比率は普通に使われていたわけで，ハイドンはそれを実際に４人で演奏する曲として弦楽四重奏の各パートの役割とともに整理したにすぎないのです。（p22）

　というわけで，勉強になります。ぼくにはちょっと以上に難しすぎるか。わかったつもりでわかっていないってやつだと思う。

●　マルチェロ「オーボエ協奏曲」とヴィヴァルディ「オーボエとヴァイオリンのための協奏曲」でのオーボエ独奏は小林彩子さん。第８回でも登場していた。
　このようにしてファミリーができていくのか。要の位置にいるのは，当然，柏木さん。ステージ上の彼を見ていると，要の位置にいるための条件として大切なものがあるように思える。
　技術や蘊蓄は当然として，それ以外にこれは欠かせないと思えるもの。それは，豊かな感情だ。涙もろいのはいいことだというより，リーダーに欠かせない資質ではないか。どんな分野でもひと角の人物になるのにどうしてもなくてはならないものが，この涙もろさに代表される豊かな感情だ。

●　柏木さんの文章をもうひとつだけ転載しておく。

　バッハ，ベートーヴェンやブラームスの音楽をよく「絶対音楽（ないし純粋音楽）」と定義することがありますが，この「絶対音楽」を簡単に言えば，「音楽がそれ自体で美学的に成立し風景や人間の描写や感情の表出ではない」というものです。（中略）この時代の作曲家が，自然から受けるイメージや人間の営み，さらに宗教的なインスピレーションなどを大切にして，それを音楽として表現することが当たり前だったのではないか，と感じるのです。（p30）

●　言葉の厳密な意味における「絶対音楽」は存在し得るものだろうか。人間が作り，人間が演奏し，人間が聴く。そういうなかで「音楽がそれ自体で美学的に成立」することがあり得るだろうか。
　少なくとも，ぼくらがベートーヴェンやブラームスを聴くときに，「風景や人間の描写や感情の表出」に紐づけないで聴くことができるだろうか。自分の乏しい視聴体験を振り返ってみると，そうやって聴けた例はないように思う。

2017.09.10 アズール弦楽合奏団 第８回定期演奏会

すみだトリフォニーホール 小ホール

●　ひっさびさのダブルヘッダー。２回目のが上書き保存されるから，１回目の印象が消去されてしまう。
　ので，ダブルヘッダーは避けた方がいいと思いながら，ときどきやってしまうんだよね。
せっかく電車賃をかけて行くんだからっていう，ケチ根性がなせる業ですなぁ。

●　アズール弦楽合奏団。開演は午後５時。入場無料。
　すみだトリフォニーの小ホールで聴くのは，今回が初めて。さすがはすみだトリフォニー。小ホールも風格のある空間だった。

●　プログラム冊子によれば，アズール弦楽合奏団は「大人になってから弦楽器を始めたメンバーだけの合奏団」であるらしい。いわゆる「レイトスターター」の合奏団。
　率いるのは柏木真樹さん。この柏木さんがユニークというか，変わった人というか，「成長期までに始めないと上達しない，楽しめない」という「常識」に抗って，「ヴァイオリンを弾くための身体の作り方･使い方」を考究してきたらしい。何だか素敵な人のようなのだ。

●　曲目は次のとおり。
　アルビノーニ　オーボエ協奏曲
　ヘンデル　ヴァイオリンソナタ ニ長調
　テレマン　ヴィオラ協奏曲
　バッハ　管弦楽組曲第３番より「Air」
　Ｃ.Ｐ.Ｅ.バッハ   シンフォニア第２番 変ロ長調
　ハイドン　弦楽四重奏曲「皇帝」第２楽章より主題
　アンゲラー　おもちゃの交響曲

●　合間に柏木さんのトークというかレクチャーが入る。というか，トークの合間に演奏が入る。
　それがまた面白いというかタメになるというか。柏木さん，話し好きなんでしょうね。話したくてしょうがないっていうか。伝えたいことがたくさんあってもどかしいといった感じ。

●　トークの中身はプログラム冊子に掲載されている。プログラム冊子の文書も饒舌で，しかも面白いのだ。いくつか転載してみよう。

　（バロックの）時代としての音楽の共通点はあります。それは「音楽に何を求めたか」ということです。（中略）簡単に言うと，「音楽が音以外の何かを示すことができた（言葉としての機能を持った）時代が終わり，音の心地よさだけが求められるようになった」ということなのです。

　17世紀のイタリアバロックでは，楽譜に書かれていなくても習慣として装飾をつけたり変奏にすることは珍しくありませんでした。17世紀の楽譜には，装飾音符がほとんど書かれていませんが，実際に演奏する時には「派手に」装飾を施すことが普通に行われていました。それが，18世紀になると，「楽譜に書かれていない装飾をつけない」「楽譜に書かれていることを勝手に変奏しない」という演奏習慣が広がっていきます。

　（バッハがメンデルスゾーンに再評価されるまで埋もれていたのは）18世紀までは音楽は基本的に「地産地消」のものだったのがその理由のひとつです。ハイドンやモーツァルトですら，再評価が始まったのは19世紀中盤以降なのです。（中略）音源が楽譜を正確に残せるようになった現代でも，最も人気があるのは現在の音楽です。脈々と受け継がれていく民族的な音楽以外，丼楽とは本来そのようなものだったのです。

　エマニュエルは現在ではあまり演奏されない「過去の人」になってしまいましたが，直後の作曲家に与えた影響は非常に大きく，ハイドン，モーツァルト，ベートーヴェンなどもエマニュエルの作曲形式と技法を学びました。まさに，古典派の音楽を先導した立役者なのです。

　というような叙述が散りばめられている。無料の演奏会で，こんな冊子をもらえるんだから，それだけでもかなりお得。

●　アルビノーニの「オーボエ協奏曲」。オーボエ独奏は小林彩子さん。端正な演奏。
　ヘンデルの「ヴァイオリンソナタ」は，柏木さんが楽器を変えて二度演奏した。バロック風とロココ風の違いを味わってほしいということだったんだけど，正直，ぼくにはその違いがピンと来なかったんですよね。聴き手としてあまりにお粗末？

●　テレマンの「ヴィオラ協奏曲」。ヴィオラはこれも柏木さんが担当。とんでもなく多くの曲を書いた人だってことはぼくも知っていたけれど，なかなか聴く機会はないね。自ら分け入っていかないといけないでしょうね。
　バッハの管弦楽組曲第３番より「Air」。「Ｇ線上のアリア」として有名。ニ長調からハ長調に移調するとＧ線のみで演奏できるっていうやつ。が，柏木さんによると，そうしてしまったのでは，旋律の美しさはともかく，こぼれ落ちるものが多すぎるということ。

●　「おもちゃの交響曲」はレオポルド･モーツァルト作とされていた。が，近年，アンゲラーの作と確定されたようだ。
　小林さんも水笛で参加。この曲を聴いて面白いと思えるかどうか。それが，クラシック音楽との親和性が自分にあるかどうかの試金石になるかもしれない。ならないか。